Art Basel Paris 2024 - Programme public

Parallèlement à la partie "officielle" qui se tenait pour la première fois dans le Grand Palais rénové, Art Basel Paris, la grande foire annuelle de l'art contemporain qui a remplacé la FIAC depuis 2022, propose, comme la FIAC le faisait, un programme d'accès libre, sur la voie publique ou dans divers lieux ouverts au public.
Même si ce programme est à notre goût encore loin de la richesse et de la diversité de ce que proposait la FIAC, il ne manquait pas d'intérêt, et s'étendait sur dix sites dans la capitale.

1. Palais d'Iéna

Le palais d'Iéna, construit par Auguste Perret sur la colline du quartier de Chaillot à l'occasion de l'Exposition universelle de 1937, pensé pour recevoir un nouveau musée consacré aux travaux publics, est actuellement occupé par le Conseil économique, social et environnemental. Il accueillait dans sa grande salle hypostyle une installation-performance présentée par miu miu, la  marque "jeune" de Prada, conçue par Goshka Macuga, née en 1967 à Varsovie, et managée par Elvira Dyangani Ose, née en 1974 en Espagne,  directrice du musée d'Art contemporain de Barcelone (MACBA).

2. Avenue Winston Churchill

Dans cette avenue entre le Grand Palais et le Petit Palais, trois œuvres :

Jean Prouvé (né en 1901 à Paris, décédé en 1984 à Nancy) : Maison démontable 6x9, 1944, acier, bois et verre

Répondant au besoin urgent de logements temporaires en France après la Seconde Guerre mondiale, la Maison démontable 6×9 a été conçue pour fournir un toit aux populations déplacées. Cette maison de 54 m2 était constituée d'un cadre en acier et de panneaux de bois préfabriqués, ce qui permettait un assemblage et un désassemblage rapides. Exposée pour la première fois dans le cadre du programme public d'Art Basel Paris, cette installation comprend un bow-window et une terrasse en bois reliant les espaces intérieurs et extérieurs, ainsi que des meubles et des lampes dessinés par Prouvé.

John Chamberlain (né en 1927 à Rochester, décédé en 2011 à New York) : Balmywisecrack, 2010, aluminum, plomb, polytheruréthène et acier inoxydable, 373.38 x 558.8 x 454.66 cm

Principalement connu pour ses sculptures abstraites composées de compressions de pièces détachées de voitures trouvées à la casse, l’artiste américain John Chamberlain commence à travailler la feuille d’aluminium dans les années 1980. Il tort, plie, noue ces feuilles pour créer des formes singulières tenant dans sa main. Ces petites sculptures abstraites qui constituent la série “Foils” semblent figer des instants d’action spontanée, un peu comme des danseur∙euse∙s saisi∙e∙s en plein mouvement. Des années plus tard, ces maquettes furent transposées en grand format et en aluminium industriel, sans rien perdre de la texture froissée des pièces originales. Souvent peintes de couleurs vives : rose, vert, cuivré, argent, ces œuvres monumentales offrent un contraste saisissant entre leur apparence délicate et leur poids conséquent. Également poète, John Chamberlain avait coutume de donner des titres évocateurs à ses sculptures, celle-ci ne fait pas exception.

Yayoi Kusama (née en 1929 à Matsumoto, vit et travaille à Tokyo) :  Pumpkin (L), bronze, 2014, 241 x 235 x 235 cm

Par sa pratique, intensive – qui inclut peinture, performances, installations, sculptures en plein air, littérature, films, mode et projets architecturaux –, Yayoi Kusama instille des éléments biographiques et psychologiques dans son œuvre. Sa relation aux citrouilles remonte à son enfance : des champs entiers de ces courges entouraient le domicile familial. Pour Yayoi Kusama, elles font souvent office d’autoportraits dans lesquels se lit son admiration pour leur présence indéfectible, leur capacité de résistance et leur aspect unique et souvent biscornu. Elle les décrit comme lui étant d’« un grand réconfort », louant leur don de communiquer à la fois joie et humilité. Si, depuis 1946, ses citrouilles ont pris de nombreuses formes, de couleurs et de tailles, elles affichent toujours le motif à pois devenu sa signature.

3. Petit Palais 

Une seule artiste à l'intérieur de la grande galerie du Petit Palais : Jesse Darling (née en 1981 à Oxford, vit et travaille à Oxford), avec une installation intitulée VANITAS (2024)

Pour VANITAS (2024), Jesse Darling détourne des barrières de protection en métal en les tordant, les étirant, les déformant. Habituellement utilisées pour limiter la liberté de mouvement, l'artiste y voit des symboles de division et de contrôle. En les malmenant, il révèle les vulnérabilités du pouvoir qu'elles représentent. Après avoir été présentée au prix Turner à Londres en 2023 sous le titre Come On England, l'installation est accompagnée à Paris par les vitrines de son œuvre phare Still Life (2017-en cours), contenant des fleurs appelées à se faner. Ainsi réinterprété, le projet se fait la critique de la privatisation et de l'exclusion économique, soulignant la manière dont les structures du pouvoir, mais aussi les cycles naturels de la vie sont inéluctablement soumis au déclin et au changement.

4. Cour de l'Hôtel de la Marine

Takis (né en 1925 à Athènes, décédé en 2019 à Athènes) : Aeolian, 1986, fer peint et sphères en polystyrène, 613 x 500 x 500 cm

Tirant leur nom du dieu grec du vent Éole, les harpes éoliennes étaient des instruments de musique placés dans l’encadrement d’une fenêtre ou en extérieur pour que le vent « joue » en traversant leurs cordes. L’artiste grec Takis leur rend hommage avec la série de sculptures Aeolian : des pylônes en acier dont les bras horizontaux soutiennent des demi-sphères peintes, inspirés à l’artiste par des formes de la vie courante. Lorsqu’elles sont balayées par la brise, ces formes orbitales s’animent en tournoyant sur elles-mêmes. Artiste autodidacte, Takis, pionnier du mouvement d’art cinétique, intègre le mouvement, l’interactivité et les principes physiques dans ses créations.

5. Place Vendôme

Carsten Höller (né en 1961 à Bruxelles, vit et travaille entre Stockholm et Biriwa) : Giant Triple Mushroom, 2024, aluminium, acier inoxydable et peinture, 300 x 295 x 240 cm

Les œuvres de Carsten Höller mêlent souvent des concepts scientifiques à des expériences immersives qui incitent les spectateurs à reconsidérer leur perception de la réalité. Höller intègre les champignons dans son travail depuis le début des années 1990, les considérant comme des portails fascinants reliant le chamanisme ancien et le monde naturel. Dans cette méditation surréaliste sur la biologie, le mysticisme et la perception, il fusionne trois espèces de champignons : l'amanite tue-mouches à tête rouge, réputée pour ses propriétés psychoactives, est contrastée avec l'éthéré Long Net Stinkhorn et le pâle Tricholoma Dove. Chaque champignon est tranché, sectionné et réassemblé pour représenter différentes étapes de croissance et de temps évolutif, mettant en évidence l'interaction entre la nature, la conscience et la spiritualité.

6. Domaine national du Palais-Royal

Six œuvres sont disposées dans le jardin.

 Ghada Amer (née en 1963 au Caire, vit et travaille à New York) ; Paravent Girls : Suzy Playing, Jennifer and Barbara, L’Étonnement d’Amélie, 2021-2022, bronze coulé à la cire perdue avec patin, dimensions variables

Dans ses peintures, sculptures et broderies, Ghada Amer dépeint des femmes à l’érotisme assumé afin de renverser les notions d’objectification et de visibilité. Les Paravent Girls sont nées sous la forme de boîtes en carton sur lesquelles Ghada Amer a dessiné des visages, dont elle a ensuite fait des moules en argile pour les fondre en bronze. Striées de rainures, les sculptures conservent une part de leur forme originelle. Agissant comme des paravents protégeant des regards, ses œuvres nous invitent à réfléchir sur la frontière entre vie privée et vie publique.

César (né en 1921 à Marseille, décédé en 1998 à Paris) : Pouce, 1965-1988, bronze, 350 x 200 x 142 cm

Figure clé du nouveau réalisme, César recontextualisait des objets du quotidien en tant qu’œuvres d’art. Célèbre pour ses compressions en métal, notamment de voitures, il commence à travailler le plastique et la résine dans les années 1960 avec la série « Pouce » qui reprend le moulage de son propre doigt. Après une première version de l’œuvre de 40 cm réalisé en plastique qui faisait déjà apparaître chaque détail de la peau, il développe diverses versions de cette œuvre, de tailles et matériaux variés, dont le polyester et le cristal, ou encore ici le bronze.

Amilcar de Castro (né en 1920 à Paraisópolis, décédé en 2002 à Belo Horizonte) : Untitled, 1990, acier, 98 x 100 x 74 cm

Au début de sa carrière Amilcar de Castro, graphiste brésilien, composait des maquettes pour des journaux et magazines. Son talent pour la mise en valeur de surfaces planes s’est ensuite naturellement transposé à la sculpture. La technique « one cut, one fold » (« une découpe, un pli ») devenue sa signature, consiste à couper et tordre des feuilles de métal sans ajouter, retirer, ni souder quelque matériau que ce soit. C’est avec grâce que les formes minimalistes ainsi créées évoluent dans le temps, la rouille et le vieillissement de la texture faisant partie intégrante de l’œuvre.

Richard Long (né en 1945 à Bristol, vit et travaille à Bristol) : Gold Rush, 2006, granit, 25 x 792.5 x 640.1 cm

Richard Long est un sculpteur britannique connu pour sa pratique du land art. Reflétant sa conviction que l’art peut naître des éléments les plus ordinaires, ses installations retracent ses déplacements à travers une diversité de paysages pour composer des œuvres avec des matériaux naturels tels que les pierres, la boue ou l’eau. Créé à l’origine pour son exposition au San Francisco Museum of Modern Art en 2006, Gold Rush est une installation triangulaire de pierres en granit trouvées par l’artiste dans une ancienne mine du massif montagneux de la sierra Nevada, en Californie.

Thomas Schütte (né en 1954 à Oldeburg, vit et travaille à Düsseldorf) : Tribute to Moondog, 2024, bronze patiné sur socle en acier par l’artiste, 220 x 90 x 100 cm

Ce buste rend hommage à Moondog, un musicien, artiste et poète non-voyant connu pour ses tenues excentriques inspirées des vikings et son appartenance à la scène underground new-yorkaise. Créée à partir d’un moulage à la cire perdue, la sculpture est une nouvelle version de Hund III (2004) de l’artiste : une approche caractéristique de sa méthode qui consiste à revenir sur ses propres créations. Sa présence à Paris est un clin d’œil aux liens étroits qu’entretenait Moondog avec la capitale française à la fin de sa vie.

Roberto Sebastian Matta (né en 1911 à Santiago, décédé en 2002 à Civitavecchia) : Matta’s Tribal Sculptures, 1991-2009, bronze, dimensions variables

Architecte de formation, Roberto Sebastian Matta a rejoint le mouvement surréaliste à Paris, où il a collaboré avec d’autres artistes majeurs avant de développer son style propre, caractérisé par une imagerie onirique et des thèmes psychologiques. Cette sélection de sept sculptures en bronze datant des années 1990 se fait l’écho de l’héritage latino-américain et des influences européennes de l’artiste. Assemblées ici, elles évoquent des totems tribaux peuplant une contrée imaginaire et spirituelle.

7. Beaux-Arts de Paris - Chapelle des Petits-Augustins

Jean-Charles de Quillacq, (né en 1979 à Parthenay, vit et travaille entre Sussac et Zürich) : A real boy, 2024, sculptures

L’exubérant cadre du XVIIe siècle de la Chapelle des Petits-Augustins ne pouvait offrir meilleur écrin aux sculptures de Jean-Charles de Quillacq. Morceaux de pain, mégots de cigarette, liquide de refroidissement automobile se partagent l’espace avec les œuvres permanentes du musée et plusieurs formes organiques, tendues ou au repos, allongées sur des supports de polystyrène qui conservent les traces de leur fabrication. Jean-Charles de Quillacq concentre ses recherches sur le corps et ses représentations, ses matières et ses interactions, son organisation sociale. Mannequins à moitié nus à l’entrejambe en polyuréthane moulé dans un jeans, reconstitution chimique de la propre sueur de l’artiste, ces représentations agissent comme des métaphores de la nature ambiguë et instable du capitalisme.

8. Parvis de l’Institut de France

Niki de Saint Phalle (née en 1930 à Neuilly-sur-Seine, décédée en 2002 à San Diego) : L’Arbre-Serpents, 1988, miroir, peinture uréthane et feuille d’or sur FRP et ciment, 270 x 320 x 230 cm

À la suite d’un traumatisme d’enfance, l’artiste franco-américaine Niki de Saint Phalle grandit dans la phobie des serpents. Devenue adulte, elle confronta sa peur en les célébrant à travers une série d’œuvres. Initiés au début des années 1980, ses arbres-serpents faisaient de ces créatures des symboles totémiques de transformation et de bon augure. La première version, réalisée en 1982, figure dans son célèbre jardin des Tarots, en Italie. Cette version en exhibe une douzaine sous la forme de branches colorées et ondulantes. Recouverte de fragments de miroir, de mosaïque, de verre et de feuille d’or, l’œuvre reflète ce qui l’entoure dans un jaillissement de couleurs et de lumière. Ce ne sont plus les reptiles menaçants qui peuplaient les premiers cauchemars de l’artiste, mais des serpents inoffensifs qui invitent au jeu.

9. Musée national Eugène-Delacroix

Ali Cherri (né en 1976, vit et travaille à Beyrouth) : Triumph of the Limp, 2022, installation

Dans ses vidéos et installations à plusieurs niveaux de lecture, Ali Cherri explore les manières dont la violence et les déplacements de population imprègnent la mémoire collective. S’intéressant notamment aux pratiques archéologiques, Ali Cherri critique l’influence sous-jacente des courants nationalistes et coloniaux sur la circulation, l’interprétation, et l’exposition d’œuvres et d’objets. À travers une recherche approfondie et des interventions, Ali Cherri exhume le passé enfoui d’artefacts, souvent dissimulé par les institutions. Lors de sa résidence d’un an à la National Gallery de Londres en 2022, l’artiste a travaillé sur l’histoire du vandalisme à la lumière des œuvres de la collection. Pour son projet au musée national Eugène-Delacroix, il propose deux cabinets de curiosité qui rassemblent des fragments et artefacts formant des créatures hybrides, telles les reliques des différentes collections.

L'Adoration du Veau d'or, d'après Poussin, 1922, taxidermie d'agneau, bois, jesmonite et feuille d'or

La Toilette de Vénus ('The Rokeby Venus'), d'après Velázquez, 2022, tête de marbre du 19e siècle, bois, œil de verre et velours

Quelques dessins complètent l'ensemble.

Et pour conclure, une des plus belles installations :

10. Hôtel de Sully

Lynn Chadwick (né en 1914 à Londres, décédé en 2003 à Stroud) : Hypercycle, bronze, dimensions variables

Cette exposition  présente les débuts de Lynn Chadwick. Fruits de l’hybridation entre l’architecture moderniste et le naturalisme de Charles Darwin, ces sculptures étranges se verront rapidement distinguées, notamment par le Prix international de sculpture de la Biennale de Venise en 1956, et prendront place dans près de 150 collections publiques.

Dans la cour,  Stranger III, 1959, bronze, 219 × 261 × 87 cm

Sur la terrasse, côté jardin :

Beast XVI, 1959, bronze, 87 × 177 × 80 cm
Moon of Alabama, 1957, bronze, 160 × 120 × 120 cm
Trigon, 1961, bronze, 242 × 63 × 62 cm
Sitting Figure, 1962, bronze, 152 × 94 × 183 cm

Dans le jardin (de gauche à droite sur la première photo) :

Encounter VIII, 1957, bronze, 183 × 71 × 51 cm
Conjunction IX, 1960, bronze, 239 × 99 × 94.5 cm
Dancing Figures (Two Dancing Figures), 1956, bronze, 177 × 113 × 63 cm