Le blog de Michel

Nous terminons dans ce billet la visite commencée dans notre billet du 29 février.

La salle suivante de la partie "moderne", salle IX "Henri Fantin-Latour", qui regroupe des scènes intimistes et portraits, peints par des contemporains d'Henri Fantin-Latour. De de dernier, entre autres toiles, Vase aux pommes et feuillage (1872)

Tête de jeune paysan par Paul Gauguin (1888)

Le maître d'équipage par Henri de Toulouse-Lautrec (1882)

Jardin fleuri par Egon Schiele (1905)

Pégase et l'Hydre par Odilon Redon (vers 1907)

Nu aux bras levés (vers 1929-1930) par Georges Rouault

La Clairière (vers 1925) par André Derain

Dans la salle X, dite « salle fauve », La Seine (environs de Rouen) et Le Théâtre en plein air, Alger,  deux toiles réalisées en 1942 par Albert Marquet

Port de Dieppe (1893) par Albert Lebourg

Jardins à Honfleur (1902) et Paysage sur la terrasse (1909) par Othon Friesz

De Louis Valtat, Les Roches rouges (1901) et Sur le boulevard (1893)

Dans cette salle, également, quelques toiles de Raoul Dufy :

Rideau d'arbres à Falaise (1905)
Le Quai de Paris (vers 1906-1907)
La Frontière, Paysage de Munich (1909)
Paysage au clocher (vers 1908-1910)
Régates à Deauville (vers 1946)

et un petit Matisse : La Falaise d'Aval et le cabanon (vers 1920)

Maurice Vlaminck :

Les Poissons (vers 1907)
Nature morte aux poissons (1907)
Vue de Chatou

Kees Van Dongen :

La Course 
Le Caoutchouc rouge (1904)

Georges Braque : Fenêtre sur l'Escaut (1906)

Maurice Utrillo : La rue Bayen à Paris (1922)

Charles Camoin : Quatre bateaux dans le port de Cassis (vers 1904-1905)

Salle XI « Les impressionnistes »

Camille Pissarro : Dulwich College, Londres (1871) et Portrait de Felix en jupe (1883)

Alfred Sisley : Les bords du Loing vers Moret (1883) et Le canal du Loing (1892)

Femme au jardin (Villa Arnulphi à Nice) - 1882 par Berthe Morisot

Le petit bras de la Seine en automne (1890) par Gustave Caillebotte

Crinolines sur la plage (1863) par Eugène Boudin

Stanislas Lepine : Vue de la Seine et du Trocadéro - Le pont de Grenelle (1878-1883) et Paris, le pont des Arts (1875)

La salle XII présente la collection exceptionnelle d’œuvres de Pierre Bonnard rassemblées par Bemberg, avec ces deux autoportraits datant respectivement de 1933 et 1945.

Paysage du Midi (vers 1917-1918)
Paysage du Cannet (1935)

Femme au peignoir rouge (1916)

Iris et lilas (1920)

En bateau (vers 1910)

Les Pommes rouges et jaunes (1920)

Les pêcheurs (1907)

Nu au tub (1903)

La Promenade au bord de la rivière (1919)

Voiliers au sec (1914)

Intérieur (vers 1905)

Misia Sert dur le navire d'Edwards (vers 1905)

Montmartre (1907)

L'Omnibus (1895)

Avant de passer dans la dernière salle (XIII), dite des dessins, un tableau d'Albert Gleizes, Vue de Budapest (1904)

et deux sculptures :

Aristide Maillol : Eve à la pomme (1899)
Roger de la Fresnaye : Grand nu (vers 1911)

La salle XIII rassemble les "dessins", au sens générique du terme (plume, gouache, aquarelle...), de plusieurs grands noms de la peinture française et vient clore la visite.

Raoul Dufy :

La Famille du comte Harry Kessler à cheval, aquarelle sur papier marouflé
Chevaux de cirque, aquarelle et gouache sur papier

André Dunoyer de Segonzac : Vase d'anémones, citrons et panier sur la table, encre sur papier

Pablo Picasso : 

Portrait de Jane Thylda, crayon noir sur papier
Portrait d'Angel Fernandez de Soto, pastel
Le Couple, fusain sur papier
Pierrot et Arlequin, crayons et cires sur panneau

Henri de Toulouse-Lautrec :

Tête de femme, huile sur carton
Maison de la rue des Moulins, Rolande, peinture à l'essence sur carton
Monsieur Tapié de Céleyran en chasseur, ou Le Tir aux pigeons, crayon , gouache sur papier
 

Auguste Renoir : Portrait de jeune fille, pastel

Paul Gauguin : La Tahitienne, lavis aquarellé

Berthe Morizot : Jeune fille lisant, pastel

Georges Rouault : Fille ou nu assis, aquarelle et pastel sur papier, 

et terminons sur une oeuvre qui n'appartient pas à la collection, mais a été déposée provisoirement par le Musée d'Orsay en remplacement de l'Arlequin jaune de Degas, que nous avions présenté dans notre billet du 28 décembre dernier sur l'exposition Degas à l'Opéra.

La Baigneuse rose, détrempe sur carton de  Félix Valloton (vers 1893)

Une découverte lors de notre dernier séjour à Toulouse : la collection rassemblée par Georges Bemberg, riche Argentin amateur d'art, et que ce dernier a prêté pour 99 ans à la municipalité afin de la rendre accessible au public, dans le très beau cadre que constitue l’hôtel d'Assezat.

Ce dernier fut élevé en 1555-1557 sur les plans de Nicolas Bachelier, le plus grand architecte toulousain de la Renaissance, pour Pierre d'Assézat, qui fit fortune grâce au commerce du pastel mais mourut ruiné en 1581 avant même que les travaux ne soient terminés. Le bâtiment fut légué à la ville au dix-neuvième siècle afin qu'elle y accueille des sociétés savantes, ce qui est toujours le cas aujourd'hui.

Passé le pavillon de l'entrée et  son portail orné d'une frise de métopes, on débouche dans la cour d'honneur, avec sa tour, ses façades classiques aux trois ordres d'architecture (chapiteaux doriques au rez-de-chaussée, ioniens au premier étage, corinthiens à l'étage supérieur) et sa coursière sur le côté droit de l'entrée.

La collection est présentée sur deux étages. Dans l'étage consacré éux "anciens", la salle I est entièrement consacrée à Venise, avec notamment deux Canaletto : Le Grand Canal à Sainte Lucie et Vue de Dolo

Une exception : Miss Frances Elisabeth Sage de George Romney, que nous avions rencontré dans notre billet du 12 octobre 2019.

Dans la salle II, dite Louis XVI, Portrait de la comtesse Kagenek en Flore d'Elisabeth Vigée-Lebrun,

Bergers sous une grotte et Château en ruine sur un rivage de Hubert Robert,

D'inévitables Putti de François Boucher,

et quelques objets chinois pour justifier le titre de ce blog...

Dans la salle V dite "de l'Europe", Paysanne à la coupe de fruits de Nicolas Tournier

et Scène d'auberge de Pieter Brueghel le Jeune.

Dans la salle VI, "Galerie de portraits", Jean Bertrand de Jean Clouet

Plusieurs tableaux de Lucas Cranach l’Ancien, Les amoureux, Portrait de jeune fille, Vénus et Cupidon.

Dans la salle VII dite "de la Coursière", Le Fauconnier de Paul Véronèse,

Portrait de Scipione Venerio de Jacopo Tintoretto

Terminons la partie de la collection consacrée aux anciens avec quelques tableaux dont nous n'avons pas relevé la salle :
Portrait de Lady Dorothy Dacre de Van Dyck
Portrait de Gentilhomme et Portrait de jeune fille, du Tintoret
Portrait d'Alfonso d'Este du Titien
et encore deux tableaux de Lucas Cranach l'Ancien, décidément très présent dans la collection, Portrait de Sybille de Clève, électrice de Saxe et une scène assez curieuse.

Malgré tout l'intérêt de cet étage des "Anciens", qui a un petit côté "cabinet de curiosités", nous avons préféré l'étage supérieur dit des "Modernes", que nous présenterons plus largement dans notre prochain billet. 
Donnons-en un avant-goût avec la salle VIII dite "pointilliste" (mais pas que...)

La Chaîne des Maures par Henri-Edmond Cross (1906-1907)

Un canal à Venise par Henri-Edmond Cross (1899)

Homme à la barque par Henri-Edmond Cross 

Le clocher de Saint-Tropez par Paul Signac (1896)

Arbres (amandiers) en fleurs par Paul Signac (1896)

La Table de la mer par Henri Le Sidaner (1920)

Mignonne, allons voir si la rose... par Paul Sérusier (vers 1910)

Chopin par Walter Sickert (1914)

Dans notre prochain billet, les autres salles de la collection "moderne", avec notamment un rassemblement assez exceptionnel de toiles de Pierre Bonnard.

Reprenons la visite de la rétrospective Hartung du Musée d'art moderne de la ville de Paris, avec cette affiche de la dernière rétrospective du peintre à Paris, au Musée national d'art moderne, qui s'est tenue il y a plus de 40 ans dans l'aile jumelle du Palais de Tokyo, le musée national n'ayant pas encore à l'époque migré vers Beaubourg.

Elle représente une toile des années 60, ce qui convient à cette deuxième partie consacrée à la production de l'artiste de l'après-guerre à sa mort en 1989.

Commençons par cette huile sur panneau de bois T1945-26, curieusement datée 38-45, semblant corroborer que Hartung considérait les années de guerre comme une parenthèse dans son œuvre. 

T1946-16, huile sur toile

T1947-12, huile sur toile

T1948-18, huile sur toile

T1948-17, huile sur toile

T1949-9, huile sur toile

T1950-8, huile sur toile

T1951-1, huile sur toile

Dessins à l'encre
Hans Hartung pratique l'agrandissement systématique de ses dessins sur toile depuis 1932-1933. Dans les années 1950, il recourt à ce procédé d'une manière sérielle pour réaliser ces nombreuses peintures "palmées" noires sur fonds de couleurs unies. Celles-ci sont réalisées à partir de motifs tirés de dessins grands comme la main, peints d'un geste doux et léger, à l'encre. Parmi les centaines de feuilles produites, celles choisies pour être transposées en tableaux comportent le tracé de la grille destinée au report. Ces motifs évoquant la calligraphie, emblématiques de son œuvre, seront choisis par l'artiste pour de nombreuses publications et restent aujourd'hui sa marque de fabrique.

T1955-25, huile sur toile

T1955-18, huile sur toile

T1956-15, huile sur toile

T1955-9, huile sur toile

T1956-20, huile sur toile

Hartung réalise aussi des photographies artistiques.
Cette série date de 1954.

Celle-ci de 1959.

Divers crayon et/ou pastel sur papier, de 1958 et 1959

Ces dessins en blanc sur un fond de peinture pulvérisé représentent les outils du peintre au début des années 60 : divers sprays qui lui servent à obtenir des effets nuageux en propulsant de fines gouttelettes sur la toile. Chacun des fonds est réalisé avec le type de spray dessiné par les assistants de Hartung sur le carton. Ces documents servent à classifier les différents outils, et à ordonner l'atelier de la rue Gauguet. Ils ont cependant été peu utilisés, et témoignent surtout de la méthode rigoureuse de Hartung et de son souci de classifier, d'ordonner et d'archiver toutes les techniques, même les plus éphémères.
Sans titre (4 fonds d'atelier), acrylique sur carton, 1963

T1961-8, gouache et pastel sur panneau d'isorel

Grattages
Dans les années 60, c'est la lacération qui vaut pour geste artistique premier. Stylets, râteaux, peignes métalliques : divers outils tranchants permettent de griffer la matière, en un élan toujours ascensionnel, du bas vers le haut. En 1961-62, Hartung utilise une peinture vinylique issue de la technologie industrielle, notamment celle des carrosseries de voiture, qu'il vient de découvrir avec enthousiasme.
T1964-H44, peinture vinylique sur toile

T1963-E45, peinture vinylique sur toile

T1963-H37, peinture vinylique sur toile

T1962-U8, peinture vinylique sur toile

T1962-L21, T1962-L22, T1962-L23, peinture vinylique sur toile

P1961-86, grattages sur carte à gratter, et P1961-35, crayon, pastel et grattages sur carte à gratter

T1962-E1, peinture vinylique sur toile

T1961-H4, peinture vinylique et pastel sur toile

Petits formats
Ces petites peintures nous placent au cœur de l’expérimentation de Hans Hartung, qui, dans la seconde moitié des années 60, renouvelle ses couleurs de prédilection, le bleu et le jaune, en utilisant des teintes acides et voyantes. Ces tableaux témoignent d'une plus grande liberté de geste. Au début des années 70, le peintre reprendra certains motifs de ces petites toiles, qu'il agrandira non plus grâce au report, mais en amplifiant son geste et en utilisant des brosses pouvant atteindre 40 cm - parfois de simples balais ménagers.

T1966-E25, peinture vinylique sur toile

T1966-E23, peinture vinylique sur toile

L'activité de photographe de Hans Hartung s'est aussi exercée comme portraitiste. Dans ces portraits qui vont de 1959 pour le plus ancien à 1981 pour le plus récent, le lecteur pourra s'amuser à reconnaître notamment le peintre Zao Wou Ki, un autoportrait de Hartung, Eric Rohmer, le poète, romancier et critique d'art Michel Ragon, disparu il y a quelques jours, le sculpteur Alexander Calder, ami proche de Hartung, et Georges Pompidou...

La grande salle suivante est consacrée aux années 70, avec de grandes toiles : T1971-R29, acrylique sur toile

T1973-R9, acrylique sur toile

T1973-E3, acrylique sur toile

T1971-R24, acrylique sur toile

T1973-E12, acrylique sur toile

T1973-R10, acrylique sur toile

T1973-R32, acrylique sur toile

T1973-R34, acrylique sur toile

T1971-H13, acrylique sur toile

T1974-R23, acrylique sur toile

T1975-R35, acrylique sur toile

On y trouve aussi d'autres techniques :
des barytés (cartons enduits de baryte, substance minérale utilisée notamment pour donner au papier photographique sa blancheur et sa brillance)

des gravures sur bois, technique à laquelle il s'est essayé en 1973 dans les ateliers Erker à Saint-Gall, en Suisse, à sa manière, sans inciser le bois à la manière classique, beaucoup trop lente à son goût, mais en entaillant rapidement le support à l'aide de divers outils et brosses...

et des céramiques, technique à laquelle il s'est essayé en 1972 à la Fondation Maeght, pendant la construction de sa maison-atelier d'Antibes.

Les dernières salles sont consacrées aux tableaux des années 80
T1980-E50, acrylique sur toile

T1982-R11, acrylique sur toile

T1982-H34, acrylique sur toile

T1981-E23, acrylique sur toile

T1981-K17, acrylique sur toile

T1980-E6, acrylique sur toile

T1982-E15, acrylique sur toile

Toutes les toiles de l'avant-dernière salle sont des acryliques sur toile de 1987.

Enfin, la dernière salle contient quelques-unes des 360 toiles que peignit Hans Hartung en 1989, l'année où il mourut, le 7 décembre à Antibes.
Il travaille essentiellement la nuit à la lumière des néons, et s'immerge dans un monde où la peinture fusionne avec la musique et la peinture qui l'environne. Dans l'atelier résonne principalement de la musique baroque, celle de Bach et Vivaldi, et parfois des airs plus récents, notamment de Stravinsky. Les séances de peinture prennent fin lorsque les toiles étalées sur le sol pour séchage remplissent toute la pièce.

T1989-N10, acrilique sur toile, la dernière toile peinte par Hans Hartung.

A l'occasion de la réouverture du Musée d'art moderne de la Ville de Paris, après plusieurs années de rénovation, ce dernier présente une très belle exposition qui nous a donné l'opportunité de redécouvrir Hans Hartung, peintre allemand, qui s'est engagé dans la Légion étrangère française au début de la dernière guerre, et qui a vécu plusieurs années à Arcueil...

"La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu’il mérite. L’exposition porte un nouveau regard sur l’ensemble de l’œuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l’histoire de l’art. Hans Hartung fut un précurseur de l’une des inventions artistiques les plus marquantes de son temps : l’abstraction.

Acteur d’un siècle de peinture, qu’il traverse avec une soif de liberté à la mesure des phénomènes qui viennent l’entraver – de la montée du fascisme dans son pays d’origine l’Allemagne à la précarité de l’après-guerre en France et à ses conséquences physiques et morales – jamais, il ne cessera de peindre.

Nous consacrerons ce premier billet à la période qui va jusqu'à la guerre, en commençant par quelques tableaux de sa prime jeunesse :

T1921-2 : D'après le 3 mai de Goya II, huile sur carton (1921)

Autoportrait de 1922

Le Grand cheval, huile sur carton, 1922

T1922-1 Danse des bacchantes autour d'un nu couché, huile sur papier kraft marouflé sur panneau, 1922

Trois personnes assises, le Kokoschka, huile sur panneau de bois contreplaqué, 1923

Des aquarelles sur papier de 1922,

Des craies noires, fusains ou sanguines sur papier, tous de 1923

Stintek I, maisons devant la digue, huile sur panneau de bois contreplaqué, 1925

Leucate, ma cabane grise, huile sur panneau de bois, 1927

A partir de 1932, Hartung poursuit une création exclusivement abstraite. La dissolution du référent, la construction de l'espace par plans, sans hiérarchie entre le fonds et les formes, témoignent de l'héritage du cubisme dans son oeuvre. 

T1933-3, huile sur toile, 1933

T1935-1, huile sur toile, 1935

T1934-2, huile sur toile, 1934

T1936-11, huile sur toile, 1936

T1937-1, huile sur toile, 1937

T1937-17, huile sur toile, 1937

Sans titre, aquarelle sur papier, 1932

T1936-2, huile sur toile, 1936

T1938-12, huile sur panneau celotex, 1938

T1938-29, huile sur panneau celotex, 1938

T1938-30, huile sur bois, 1938

T1938-2, huile sur toile, 1938

Le seul collage de l'exposition, réalisé en 1938 dans l'atelier de Julio González (1876-1942), sculpteur et peintre né à Barcelone, venu en France dès la fin des années 1890 et définitivement installé en France à partir de 1904. Hans Hartung le rencontre en 1937, année où González installe son atelier à Arcueil, il épousera sa fille Roberta en 1938.

T1938-16, collage sur panneau de bois, 1938

C'est aussi sous la conduite de González et dans son atelier que Hartung réalisera sa seule sculpture :

Sans titre, fer, 1938

A la différence de González, qui maintient le rapport à la figure humaine, Hartung s'affranchit de tout référent.

Encore quelques œuvres de 1938 :

Sans titre, pastel, fusain et craie noire sur papier

T1938-3, huile sur bois, 1938

T1938-6, huile sur panneau celotex, 1938

Trois oeuvres sans titre, crayon et pastel sur papier de 1939 :

Trois œuvres sans titre, gouache et crayon sur papier de 1940 :

Têtes, gouache sur papier, 1940

Pendant la guerre, principalement en 1940, Hartung peint plus de quatre-vingts têtes. Bouche ouverte et langue tirée, yeux écarquillés, elles expriment à la fois le désarroi et la colère. Ces gouaches évoquent la fureur et l'effroi des civils tués dans Guernica de Pablo Picasso (1937), mais aussi les sculptures sur le thème de la Montserrat réalisées par Julio González en hommage aux souffrances du peuple pendant la guerre d'Espagne. Après la Seconde Guerre mondiale, Hartung minore leur importance et les montre peu : elles auraient été produites pour "faire plaisir à ses proches", selon ses mots, dans un contexte où, précise-t-il, "tout lui était plus ou moins indifférent". 

Dessins-écritures

Les années de guerre sont marquées par une pratique obstinée du crayon et de l'encre sur papier. En 1942, alors qu'il a trouvé refuge chez les González dans le Lot, Hartung réalise des motifs calligraphiques dont certains lui serviront de source pour les œuvres de l'immédiat après-guerre.

Terminons cette première partie avec cet autoportrait de 1943, crayon sur papier.

Un mini-billet relatif à une mini-exposition à la fin de l'année dernière à Orsay.

Quand il arrive en France en 1980, Yan Pei-Ming, alors âgé de vingt ans, se rend immédiatement à Paris afin de découvrir les œuvres de Gustave Courbet alors exposées au musée du Louvre. Trente-neuf ans plus tard, devenu français - et un des peintres les plus magistraux de notre temps - il s'inspire d'Un enterrement à Ornans, chef-d'oeuvre du réalisme, pour créer Un enterrement à Shanghai, conçu spécialement pour le musée d'Orsay en célébration du 200e anniversaire de Courbet. Ce triptyque est composé de trois panneaux,  (Montagne céleste, Ma mère, L'adieu), disposés sur trois des parois de la salle de l'exposition, huiles sur toiles de dimensions respectives  500 x 750 cm,  500 x 400 cm,  315 x 668 cm
 

Le premier panneau figure des montagnes, peintes de manière expressionniste et tendant vers l'abstraction : "C'est un paysage idéal, une sorte de paradis. Là où je voudrais que ma mère puisse résider."

Le portrait de la défunte, la mère de l'artiste, est monumental : "Ma mère était une femme ordinaire, mais je l'ai peinte à la même échelle que les icônes du pouvoir politique."

Le troisième panneau, l'enterrement de la mère de l'artiste, est peint à l'échelle exacte d'Un enterrement à Ornans (1849-1850) : Les funérailles de sa mère sont ici minutieusement dépeintes. La scène se déroule, non plus à Ornans, mais à Shanghai, ville natale de l'artiste.

Quelques détails de l'enterrement et du "modèle" auquel il rend hommage.

Une belle occasion de découvrir un artiste d'une grande force, dont les tableaux sont exposés au musée national d'art moderne (centre Pompidou), aux Abattoirs de Toulouse, et naturellement aussi à Dijon, où il s'était installé et où il avait étudié à son arrivée en France en 1980, à vingt ans. Il travaille essentiellement dans son atelier de 2 500 m2 installé dans une ancienne usine d'Ivry-sur-Seine.

Nous avions déjà évoqué un autre peintre français d'origine chinoise, mais d'une génération précédente, Zao Wou Ki,  dans notre billet du 1er juillet 2018.

Terminons avec une vidéo réalisée par le Musée d'Orsay sur la genèse de  l'oeuvre. 

Pierre Soulages, « peintre de l’outrenoir », figure majeure de la peinture non figurative, est né le 24 décembre 1919 à Rodez. À l'occasion de son centième anniversaire, le musée du Louvre lui consacre une exposition exceptionnelle dans le Salon carré, situé entre la galerie d’Apollon et la Grande Galerie.

Seuls Chagall et Picasso, à l’occasion de leurs 90 ans, ont bénéficié avant lui de telles rétrospectives au Louvre. Cette exposition-hommage prend le parti de rendre compte du parcours chronologique de l’oeuvre de 1946 à aujourd’hui, en représentant par un choix resserré les huit décennies pendant lesquelles Soulages a développé ses recherches, ainsi que de très grandes peintures réalisées ces derniers mois.

Le public se presse dans un décor habitué à un tout autre style de peinture.

Peinture 195 x 130 cm, huile sur toile, mai 1953

Peinture 195 x 130 cm, huile sur toile, 14 mars 1955

Peinture 220 x 366 cm, huile sur toile, 14 mai 1968

Brou de noix sur papier

48,2 x 63,4 cm, 1946
63,8 x 48,5 cm, 1947

Peinture 193,4 x 129,1 cm, brou de noix sur toile, 1948-49

Goudron sur verre 45,5 x 76,5 cm, 1948-1

Peinture 162 x 127 cm, huile sur toile, 14 avril 1979

"Outrenoir : le noir devient émetteur de clarté. Ce sont des différences de textures, lisses, fibreuses, calmes, tendues ou agitées qui captant ou refusant la lumière font naître les noirs gris ou les noirs profonds. Le reflet est pris en compte et devient partie intégrante de l'oeuvre : il y intègre la lumière que reçoit la peinture et la restitue avec sa couleur transmutée par le noir." (Pierre Soulages)

Peinture 304 x 181 cm, 9 décembre 2007
Acrylique sur toile, polyptyque (4 éléments : un élément de 71 x 181 cm ; un élément de 81 x 181 cm ; un élément de 71 x 181 cm ; un élément de 81 x 181 cm, superposés)

Peinture 222 x 314 cm, 24 février 2008
Acrylique sur toile, polyptyque (2 éléments de 222 x 157 cm, juxtaposés)

Peinture 326 x 181 cm, 14 mars 2009
Acrylique sur toile, polyptyque (4 éléments : un élément de 71 x 181 cm ; un élément de 112 x 181 cm ; un élément de 81 x 181 cm ; un élément de 62 x 181 cm, superposés)

Avec une entorse à l'ordre chronologique, les grandes toiles qui entourent ses plus récentes productions :

Peinture 324 x 362 cm, 1985
Huile sur toile, polyptyque (4 éléments de 81 x 362 cm, superposés)

Peinture 290 x 654 cm, février-mars 1992
Huile sur toile, polyptyque (5 éléments de 290 x 130 cm, juxtaposés)

et, entre ces deux "monuments", trois grandes toiles verticales d'un seul tenant, peintes à la veille de ses cent ans, il y a quelques mois :

Peinture 390 x 130 cm, 10 août 2019
Peinture 390 x 130 cm, 26 août 2019
Peinture 390 x 130 cm, 18 octobre 2019

(acrylique sur toile)

Complétons le compte-rendu de cet exceptionnel hommage du Louvre à un peintre contemporain avec deux toiles déjà présentées dans ce blog :

- Peinture, 26 mai 1969, huile sur toile de la collection du Musée Bridgestone à Tokyo (notre billet du 10 juin 2017)

Peinture 92 x 65 cm, 10 février 1965, huile sur toile du musée Soulages à Rodez, présentée dans notre billet du 14 décembre 2019 sur l'exposition Le monde nouveau de Charlotte Perriand à la Fondation Louis Vuitton.

Nous terminons dans ce billet la visite de la grande rétrospective présentée cette saison au Grand Palais (cf notre billet du 18 janvier 2020)

Après un Profil de Toulouse-Lautrec, huile sur carton, vers 1898, par Edouard Vuillard (1868-1940),
Henri Samary, huile sur carton, 1889
Madame Berthe Bady, huile sur carton, 1897
Portrait d'André Rivoire, huile sur toile, vers 1901

Des illustrations :

Une lithographie de 1899 pour illustrer Histoires Naturelles de Jules Renard
La Coiffure, Programme du Théâtre Libre, lithographie, 2ème état, 1893

La chanteuse Yvette Guilbert (ci-dessous dans un médaillon en grès polychrome de Henri Nocq, Emile Muller et Cie (1893)...

...occupe le centre d'une salle de l'exposition :

Yvette Guilbert chantant Linger, Longer, Loo, peinture à l'essence sur carton, 1894
la couverture d'un livret de Gustave Gefroy
un projet d'affiche, huile sur carton de 1894
et Divan Japonais 75 rue des Martyrs, lithographie en quatre couleurs au crayon, au pinceau et au crachis, 1893, qui réunit deux des modèles fétiches de Toulouse-Lautrec, la chanteuse Yvette Guilbert dont on aperçoit les gants noirs et la danseuse Jane Avril, avec sa chevelure rousse

Clownesse Cha-Hu-Kao, huile sur carton, 1895
Femme de profil (Madame Lucy), huile sur carton, 1896
Deux femmes assises au café, fusain, peinture à l'essence et aquarelle, 1893

La suite Elles (1896) est à la fois caractéristique des thèmes favoris de Toulouse-Lautrec (à l'exception de la clownesse, toutes les femmes qu'il représente appartiennent en effet au monde des maisons closes) et de sa pratique de l'estampe (ce sont des lithographies en couleurs, comme la plupart de ses œuvres). 

Couverture, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, en trois couleurs
La Clownesse assise, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, en cinq couleurs
Femme au plateau, lithographie au crayon avec grattoir, épreuve en sanguine
Femme couchée, réveil, lithographie au crayon avec grattoir en couleurs, épreuve en gris olive
 

Femme au tub, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, en cinq couleurs
Femme qui se lave, lithographie au crayon en deux couleurs
Femme à la glace, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis en trois couleurs
Femme qui se peigne, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, en deux couleurs

Femme au lit, profil, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis avec grattoir en quatre couleurs
Femme en corset, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis avec grattoir en cinq couleurs
Femme sur le dos, lithographie au crayon en deux couleurs

Conquête de passage, étude pour Elles, craie bleur et craie noire, huile sur papier marouflé sur toile, éclaboussures avec un matériau de couleur sombre en bas à droite

Sur le même thème :

Seule, huile sur carton, 1896
Dans le lit, huile sur carton marouflé sur bois parqueté, vers 1892
Le Divan, huile sur carton, vers 1893
Au Salon de la Rue des Moulins, fusain et huile sur toile, 1894

Femme qui tire son bas, huile sur carton, 1894
Femme tirant son bas, huile sur carton, vers 1893-1894
Ces Dames au réfectoire, huile sur carton, 1893-1895
Femme de maison blonde, étude pour L’Inspection médicale, huile sur carton, vers 1893-1894
Débauche, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis en 3 couleurs, 2ème planche, 1896

Quelques œuvres où l'on retrouve le cheval, un des thèmes de prédilection de l'artiste :

Artilleur sellant son cheval, huile sur toile, 1879
Nice, souvenir de la promenade des Anglais, huile sur toile, 1880
Allégorie, un enlèvement, huile sur toile, 1883
Le Jockey, lithographie au crayon en cinq couleurs, 1899

Autour du Music Hall, à nouveau :

Confetti, affiche, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, pierre de trait en vert olive foncé, pierre de couleur jaune et rouge brun, 1894
La Troupe de Mlle Églantine, lithographie au crayon, au crachis et au pinceau en quatre couleurs,remarque en noir. Remarque tirée seule en noir sur papier simili Japon, 1896
Jane Avril (La Mélinite dansant), huile sur carton, 1892
Jane Avril dansant, peinture à l'essence sur carton, 1892
Mademoiselle Marcelle Lender, en buste, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, épreuve d'essai VI en huit couleurs sur velin, 1895

La Roue, huile et tempera sur carton, 1893
Loïe Fuller aux Folies Bergère, huile sur carton, 1893

et dans une salle, une vidéo colorisée des Frères Lumière de Loïe Fuller de 1899...

Dans les dernières salles, des œuvres diverses :

Autour de la bicyclette (Louis Bouglé est le fabricant de la chaîne Simpson)

Bruant à bicyclette, huile sur carton, 1892
La Chaîne Simpson, affiche, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis, pierre de trait tirée en bleu, pierre de couleur en rouge et jaune
Louis Bouglé, huile sur bois, 1898
Portrait de Louis Bouglé, huile sur bois, 1898

L'Automobiliste, lithographie au crayon, 1898
Au Bois, lithographie, 1897
Jane Avril, affiche, lithographie en couleurs, pinceau, 1899
Elsa, dit La Viennoise, lithographie au crayon, au pinceau et au crachis en quatre couleurs, 1897

Le Margouin (Mlle Louise Blouet), lithographie au crayon avec grattoir tirée en noir, 1900
L'Anglaise du Star au Havre, sanguine et rehauts de craie sur papier Ingres, 1899
L'Anglaise du Star au Havre, huile sur bois, 1899
Théâtre Antoine "La Gitane" de Richepin, lithographie en couleurs, crayon, pinceau et crachis, 1899-1900
La Gitane, Théâtre Antoine, huile sur carton, 1900

Un dernier regard vers le cirque : 

"Chocolat Dansant", estampe, dans la revue Le Rire, n° 73, 28 mars 1896
Au Cirque : Chocolat, crayon noir et crayons de couleur avec rehauts de gouache sur papier, 1899
Au Cirque : le pas espagnol, graphite, pastels noir et de couleur, et fusain sur papier vélin beige

Parmi ses dernières productions, 

Un examen à la faculté de médecine, huile sur toile, 1901
Repos pendant le bal masqué, huile et gouache sur carton, vers 1899
Messaline descend l'escalier bordé de figurants (L'Opéra Messaline à Bordeaux), huile sur toile, 1900-1901
Messaline assise sur un trône, huile sur toile, 1900-1901

et, pour finir, 

M. Maurice Joyant, esquisse sur papier et huile sur bois, 1900
Paul Viaud en tenue d'amiral, huile sur toile, 1901

La dernière rétrospective française de Toulouse-Lautrec remontait à 1992. D'autres expositions ont eu lieu depuis, mais leur approche axée sur les attaches de  son oeuvre avec la « culture de Montmartre » est trop réductrice.

L’exposition du Grand Palais, qui réunit environ 225 oeuvres, se veut beaucoup plus large et entend dégager la singularité. de cet artiste, qui a ambitionné de traduire la réalité de la société contemporaine dans tous ses aspects : "l'exposition montre comment cet aristocrate du Languedoc, soucieux de réussir, a imposé son regard lucide, grave et drôle au Paris des années 1890 et pourquoi Toulouse-Lautrec s’inscrit comme un précurseur de mouvements d’avant-garde du 20ème siècle, comme le futurisme."

Le parcours commence de façon chronologique en rappelant ses débuts dans les ateliers de la capitale et sa découverte de la vie parisienne, avec curieusement une affiche de 1896 pour le photographe Sescau, lithographie en couleurs, au pinceau, au crayon et au crachis, avec marque et remarques typiques de Toulouse-Lautrec : "l'éléphant et sa trompe dissimulent un autoportrait tandis que la jeune femme en bas noirs ajoute une nuance de sensualité brute"

Deux autoportraits, une huile sur toile de 1880 et un dessin au dos de l'affiche Le Divan japonais, de 1893

Le jeune Routy à Céleyran, respectivement fusain sur papier et huile sur toile, 1882

Des dessins de la même époque

Un tableau de Puvis de Chavannes Le Bois sacré cher aux Arts et aux Muses (1884) et la Parodie qu'en fait la même année Toulouse-Lautrec de façon piquante, Puvis de Chavannes représentant tout ce que lui et ses condisciples de l'atelier de Cormon abhorrent.
Un portrait de Toulouse-Lautrec fait en 1884 par son ami Henri Rachou (1855-1944)

Etude de nu, femme assise sur un divan, huile sur toile, 1882
Gustave Lucien Dennery, huile sur toile, 1883
Nu féminin, dit anciennement La Grosse Maria, premier chef d'oeuvre du jeune Toulouse-Lautrec, véritable manifeste naturaliste (1884)

Des portraits de ses camarades,

Emile Bernard, huile sur toile,1885
Albert René Grenier, huile sur toile,1887

Une série de dessins de femmes :

Jeune fille tenant une bouteille, sanguine, 1886
Gueule de bois, crayons noir et bleu, pinceau et encre noire sur papier décoloré, vers 1887-1888
La Blanchisseuse, fusain sur papier Ingres, 1888
Boulevard extérieur, (A Montrouge, Rosa la Rouge), encre de Chine sur papier Gillot, 1889
Tête de femme, vue de trois-quart à gauche, sanguine sur carton gris

Des modèles récurrents ;

Carmen Gaudin, huile sur toile, vers 1884
Carmen Gaudin, huile sur toile,1885
Portrait de Jeanne Wentz, huile sur toile,1886
A la Bastille (Jeanne Wentz), huile sur toile,1888

A Grenelle, huile sur toile, vers 1887
Femme rousse en caraco blanc, huile sur toile, 1889
Rousse (la Toilette), huile sur carton, 1889
Femme se frisant, huile sur carton, vers 1891
 

Carmen en caraco blanc, huile sur toile, 1887
La comtesse Adèle de Toulouse-Lautrec dans le salon du château de Malromé, huile sur toile, vers 1887-1888
Femme rousse assise, huile sur toile, 1889
Femme se coiffant, huile sur carton, 1891

Au cirque Fernando : écuyère, huile sur toile, 1887-1888

Cette toile d'un format important, réalisée par Toulouse Lautrec pour sa participation à l'exposition du groupe des XX à Bruxelles, marque une étape dans la carrière du peintre.

Au Nouveau Cirque, la clownesse aux cinq plastrons, fusain, gouache et huile sur papier, 1892, servit de carton à un vitrail réalisé par la maison Tiffany, dans une série avec Bonnard, Vuillard, et Denis.

Portrait de Vincent van Gogh, craie colorée sur carton, 1887
Femme dans le jardin de M. Forest, huile sur toile, 1889-1891
Justine Dieulh, huile sur carton, 1891
Femme au boa noir, huile sur carton, 1892

Les Vieilles Histoires, lithographie, vert olive, gris, brun curry, mauve, vert, crayon, pinceau et crachis, 1893
Au cirque : personnages en mouvement, plume, 1896
 

Moulin Rouge, La Goulue, affiche, lithographie en quatre couleurs au pinceau et au crachis, 1891, avec une esquisse (fusain avec rehauts de couleur sur papier)
Aristide Bruant dans son cabaret, affiche, lithographie en couleurs, 3ème état, pinceau et crachis, 1893
Jeanne Avril Jardin de Paris, affiche, lithographie en quatre couleurs, 1893

May Milton, affiche, lithographie en cinq couleurs au crayon, au pinceau et au crachis, 1895
Miss May Belfort (grande planche), lithographie, 3ème état, 1895
May Belfort, affiche, lithographie en couleurs, pinceau, crachis et crayon, 1895
Aux Ambassadeurs - Chanteuse au Café-Concert, lithographie en six couleurs au crayon, au pinceau et au crachis, 1894

Bal du Moulin de la Galette, huile sur toile, 1889
Au Moulin Rouge, huile sur toile, 1892-1895
Monsieur Delaporte au Jardin de Paris, gouache sur carton contrecollé sur bois, 1893
Portrait de Paul Leclerc, huile sur carton, 1897

Salon des Cent, 31 rue Bonaparte, Exposition internationale d'affiches, lithographie en sept couleurs au crayon, au pinceau et au crachis, 1896
Deux affiches de promotion de livres de Victor Joze
La Loge au mascaron doré, lithographie, 1893
Affiche de promotion de La Revue Blanche, 1895
 

Nous terminons cette première partie de l'exposition avec deux panneaux peints par Toulouse-Lautrec en 1895 pour la baraque de la Goulue à la Foire du Trône :
La Danse au Moulin Rouge, dit aussi La Goulue et Valentin le
désossé 
La Danse mauresque, dit aussi Les Almées

Pour la première édition du Prix de la photographie de l’Académie des Beaux-Arts William Klein, créé en 2019 avec le soutien du Chengdu Contemporary Image Museum, c’est le photographe Raghu Rai qui a été remarqué. Récompensant un ou une photographe pour l’ensemble de sa carrière, doté de 120 000 euros et d’une exposition, ce Prix très important sera décerné tous les deux ans à l’Académie des Beaux-Arts à Paris en alternance avec le Prix de photographie Marc Ladreit de Lacharrière.

C'est dans le pavillon Comtesse de Caen, récemment rénové, qui constitue l'aile gauche du palais de l'Institut que s'est tenue l'exposition des œuvres de celui qui est considéré comme le meilleur photographe indien et un des meilleurs du monde, ce dont nos lecteurs, à la vue de ce billet, pourront juger eux-mêmes.

Né en 1942, à Jhang (Inde britannique - actuel Pakistan), il est devenu photographe de presse à l’âge de 23 ans. En 1971, à la suite de son exposition à la Galerie Delpire à Paris sur les réfugiés pakistanais du Bengale, Henri Cartier Bresson lui a proposé d’intégrer Magnum Photos dont il est toujours associé aujourd’hui. En 1992, il a été désigné « Photographe de l’année » par les États-Unis pour son travail relatif à la « Gestion humaine de la faune en Inde », publié dans le magazine National Geographic. En 2009, il est a été nommé Officier des Arts et des Lettres par le gouvernement français.

L'exposition ouvre sur la première photo prise par l'auteur, dans sa jeunesse...

Le parcours est à peu près chronologique, en commençant par des clichés en noir et blanc qui vont jusqu'aux années 70.

On passe à la couleur dans la salle suivante...
Dans la pluie et le vent...

Autour du fleuve sacré...

Dans un village avec les décors d'un autre photographe...

Au bord des routes et des rues...

Mineurs, lutteurs et militaires

Dans la dernière salle, retour au noir et blanc, avec, entre autres, Indira Gandhi...

Terminons ce parcours un peu chaotique, où nous avons préféré les images aux légendes, avec ces quelques clichés où le photographe s'exprime à sa manière inimitable...

Comme le souligne le commissaire de l'exposition, Bernard Blistène, directeur du Musée national d'art moderne, "trente-cinq années se sont écoulées depuis la première exposition de Christian Boltanski au Centre Pompidou. Conçue par Boltanski lui-même comme une vaste déambulation au cœur de son œuvre, cette nouvelle exposition se veut moins une rétrospective qu’une suite de séquences marquant les étapes et les métamorphoses de son propos.

En quelque cinquante œuvres rythmant le parcours de Christian Boltanski, cette ample traversée de l’œuvre d’une des plus grandes figures de la création de notre temps permet d’en mesurer l’ampleur et l’ambition marquées par son histoire et un demi-siècle de méditations sur la fonction et la parole de l’artiste dans nos sociétés." Sans forcément partager l'enthousiasme de Bernard Blistène, qui organisa d'ailleurs, jeune conservateur, cette première exposition en 1983, nous nous devions d'en rendre compte à nos lecteurs, en en suivant le parcours.

27 possibilités d'autoportraits, 2007

Cette oeuvre propose toutes les combinaisons possibles à partir de trois ou quatre photographies de l'artiste, prises à différents âges et coupés en trois morceaux.

La Chambre ovale, 1967, peinture acrylique sur isorel

L'Homme qui tousse, film 16 mm, couleur, sonore de 2 mn 44 s

Essai de reconstitution,  1970-1971, fer blanc, bois, grillage, pâte à modeler

Boltanski a cherché à se remémorer les objets de son enfance en pâte à modeler (avions en papier, bouillotte, rails de chemin de fer jouet - voir les étiquettes)

Les 62 membres du club Mickey en 1955, les photos préférées des enfants, 1972, photographies en noir et blanc encadrées, cadre en fer blanc

L'œuvre réunit plusieurs portraits d’enfants publiés dans le magazine Club Mickey, que Boltanski a coservé depuis sa jeunesse

Albums de photos de la famille D., 1939-1964, 1971

Ces photographies, tirées de l'album de famille de Michel Durand, sont légèrement agrandies et floues. (présenté à la Documenta de Cassel en 1972)

Vitrine de référence, 1972, Bois, Plexiglas, photos, cheveux, tissus, papier, terre fil de fer (12 x 120 x 59,5 cm)

Boîte en bois peinte sous plexiglas et contenant 15 éléments de la vie de l'artiste : photos noir et blanc, cheveux, bribes de vêtements de l'artiste, échantillon de son écriture, page de son livre de lecture, entassement de 14 boulettes de terre, un piège composé de trois objets faits de morceaux de tissu, fil de fer, épingles

La Mort du grand-père, 1974, 4 photographies noir et blanc rehaussées de pastel sur papier et légendes

Les Habits de François C., 1971, tirages noir et blanc encadrés de fer blanc

"Boltanski photographie les habits de son neveu âgé de six ans. Ce portrait en creux est prémonitoire des inventaires réalisés par la suite et de toutes les pièces qui dans les années 90 impliquent des vêtements usagés comme trace d'un corps humain disparu"

Entre-temps, 2003, vidéoprojection noir et blanc sur rideau de cordes

On le traverse pour atteindre la suite de l'exposition.

Théâtre d'ombres, 1984-1977, figurines en carton, projecteurs, plate-forme mobile, structures en métal, ventilateurs, dimensions variables

Miroirs noirs, 2005, miroirs peints en noir de plusieurs dimensions

entourant

Cœur, 2005, ampoule, amplificateurs, boîtier pour transformer le son des battements de cœur en lumière clignotante, enregistrements

Réserve des Suisses morts, 1990, photographies, lampes à pinces, fils électriques, échelles en bois, linge blanc

A partir de 1990, Boltanski commence à utiliser les photographies des défunts parues dans les pages nécrologiques du journal suisse Le Nouvelliste du Valais ...

Le Manteau, 1991, manteau noir, ampoules LED, câbles noirs

Monument collège d'Hulst, 1986, Photographies, douilles, ampoules, fil électrique

Dans salle 21 Les Reliquaires, plusieurs installations de 1988-1990 avec des caractéristiques très boltanskiennes comme les photographies, les lampes de bureau qui éblouissent les personnages comme dans les interrogatoires policiers, les boîtes à biscuit rouillées qui représentent à la fois la boîte à trésors de l'enfance et l'urne funéraire...C'est la première fois que Boltanski se sert de documents ayant un lien direct avec la Shoah

Aux murs du couloir qui mène à l'installation suivante, Les Portraits noirs, 1993, photographies d'enfants souriants en train d'assister à un spectacle...

Les Regards, 2011, Voiles, filins métalliques, ampoules, ventilateur, dimensions variables

Une installation qui a eu plusieurs variantes, en particulier de grand format dispersés dans des villes

Réserve : Les Suisses Morts, 1991, boîtes en métal, photographies noir et blanc

Boltanski a réalisé plusieurs compositions autour des Suisses morts, en particulier en collant des photographies sur des boites empilées sous forme de tours qui, à l'image de l'existence, peuvent s'écrouler à tout instant.

Le Vie impossible de C. B., 2001, bois, grillage métallique, tubes fluorescents, papier, photographies

Cette œuvre est l'unique autobiographie de Boltanski. Elle est emblématique de l'illusion de représenter sa vie à travers des restes dérisoires. Les vitrines contiennent des pièces lisibles et illisibles : tickets de train, photographies de personnes que Boltanski a aimées, lettres de gens chers à l'artiste ou de conservateurs de musée.

Misterios, 2007, vidéoprojection sur 3 écrans, format 19/9, son stéréo, couleur, 720 mn

À la recherche d'une réponse à la question de la destinée, Boltanski s'est rendu au nord de la Patagonie, où les baleines, dont la légende dit qu'elles recèlent les secrets de l'univers, se réunissent à certains moments de l'année. Avec l'aide d'ingénieurs acousticiens, il y a installé des trompes dont la forme a été étudiée pour que le vent s'y engouffre et émettent des sons très proches du chant des baleines. Ces objets sonores, situés dans un désert, sont voués à la disparition : il n'en restera que le récit. Les écrans synthétisent trois concepts : le questionnement (les baleines), le vide (le manque de réponse) et l'image de la mort (la carcasse).

Mes Morts, 2002, panneaux métalliques, tubes fluorescents, câbles électriques

Il s'agit des portraits de personnes disparues, chères à Boltanski. Les plaques contiennent deux dates : celle de la naissance et celle de la mort, séparées par un tiret qui symbolise lui seul une vie entière.

Dans une salle, l'installation Les Concessions, 1996, (des photographies de cadavres tirées du magazine El Caso sont accrochées au mur et recouvertes d'un tissu noir que les visiteurs soulèvent pour apercevoir ce qui est caché) entoure une installation de la même année, Les Tombeaux (de hauteurs différentes, recouverts de tissu noir, ces tombeaux sont éclairés par des ampoules à filament qui descendent sur chaque pièce, renforçant leur individualité)

Après, 2016, photographies imprimées sur voile, plexiglas, ampoules transparentes, lampes à pince

Tirés d'après la photographie dite de la Hamburger Strasse, les visages de ces jeunes filles sont imprimés sur des voiles très fins qui sont déchirés et abîmés, comme pour signaler les transformations inéluctables causées par le temps.

Crépuscule, 2005

Chaque jour une des ampoules composant l'installation s'éteint. Le temps d'une exposition, l'œuvre, qui au début est très éclairée, s'assombrit progressivement. Avec cette œuvre, Boltanski apporte une autre image à sa réflexion sur le passage du temps et la précarité de l'existence

Dans le passage qui débouche sur la dernière grande salle de l'exposition,

Menschlich, 1994

Menschlich comprend 1200 photographies en noir et blanc prises entre 1970 et 1994, représentant des gens d'âge, de sexe ou d'origine différents et dont on ne discerne que le visage. Cette œuvre emblématique a été exposée pour la première fois à Aix-la-chapelle en 1994.

Le centre de la dernière salle de l'exposition est occupé par

Le Terril Grand-Hornu, 2015, vêtements noir en tissu, lampe, dimension variable

Créée pour le musée des arts contemporains du Grand-Hornu, cette œuvre, composée d'un tas de manteaux noirs et d'une lampe, fait référence aux mineurs de cette région belge.

Autour,

Les Registres du Grand-Hornu, 1997, boîtes en fer blanc, étiquettes, photographies noir et blanc, lampes de bureau

Pour cette commande, Boltanski a réuni des documents d'archives relatifs aux ouvriers travaillant dans les mines du Grand-Hornu en Belgique 1920 à 1940 : des milliers de fiches comportant un nom et la date d'engagement, parfois accompagnées d'une photographie.

et, disséminés dans la salle, 

Prendre la parole, 2015

Chaque personnage composé de planches de bois, pourtant un manteau et une lampe, est muni d'un boitier où sont enregistrés des mots et qui se déclenche quand un visiteur s'approche. Rappelant L'homme qui marche (1962) d'Alberto Giacometti, ils posent des questions sur la vie et son passage.

De chaque côté de la sortie, deux vidéos de Boltanski :

Animitas Chili, 2014 (vidéo) et Animitas blanc, 2017  (photo)

C'est dans le désert d'Atacama, lieu historiquement chargé, que Boltanski crée Animitas dont le titre vient du nom donné par les chiliens aux autels religieux édifiés au bord des routes à l'endroit des accidents. De petites clochettes accrochées à de longues tiges bougent et sonnent au rythme du vent.